FIGURATIONS

STEPHAN BALKENHOL, CHEMA COBO, CARLOS FRANCO, JUAN NAVARRO BALDEWEG, BERNARDÍ ROIG, GLEN RUBSAMEN, SOLER - ARPA

La galería Miguel Marcos presenta “FIGURATIONS”, un proyecto expositivo que reúne la obra de siete artistas de destacada trayectoria y notable influencia en el arte más actual: Stephan Balkenhol, Chema Cobo, Carlos Franco, Juan Navarro Baldeweg, Bernandí Roig, Glen Rubsamen y Álvaro Soler-Arpa.

 

A pesar de no pertenecer a la misma generación, sus obras podrían catalogarse dentro del arte figurativo donde el simbolismo y el color expresan el sentimiento de las formas y la naturaleza se convierte en la protagonista indiscutible. En esta muestra dialogan la representación tallada de Balkenhol, la doble dialéctica de Chema Cobo, los apuntes mitológicos de Carlos Franco, la monumentalidad de Baldeweg, cargada de color, las inquietantes metáforas de Roig con las instantáneas apacibles de Rubsamen y las esculturas reivindicativas de Soler-Arpa.

 

Estas propuestas figurativas que perpetúan en cierta medida el arte clásico, o con reminiscencias clásicas, representan las diversas tendencias del panorama artístico actual.

 

Stephan Balkenhol (Hesse, Alemania, 1957) Escultor alemán muy vinculado a los cánones minimalistas, se ha caracterizado por perseverar en la reintroducción de la escultura figurativa en la escena artística contemporánea, siempre respetuoso con la herencia de la escultura tradicional y clásica. Utiliza la madera como material principal para crear sus personajes cotidianos, manteniendo en sus esculturas las marcas del proceso de la talla directa, además, la aspereza del desbaste contrasta especialmente en el juego de texturas de su obra. Su obra forma parte de museos y colecciones públicas como el Museum für Moderne Kunst (Frankfurt, Alemania), Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean (Luxemburgo), Musée des Beaux Arts de Montréal (Quebec, Canadá), Nerman Museum (Kansas, EE. UU), The National Museum of Art (Osaka, Japón) o Smithsonian Institution, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington DC, EE. UU).

 

En Woman, como en la mayoría de sus obras, utiliza madera de wawa material que permanece claramente visible en la obra a través de marcas de cincel, grietas o nudos en la madera, es decir, la huella del proceso de creación. Además logra así un juego de contraste de texturas entre la aspereza del desbaste y la finura del pulido y al policromar esta madera consigue la delimitación perfecta de las formas, otorgándole realidad y viveza.

 

Chema Cobo (Tarifa, Cádiz, 1952). Pintor imprescindible del arte contemporáneo español cuya obra siempre se ha caracterizado por la combinación de dos tendencias, la del arte conceptual que juega con la naturaleza de la representación y la de la pintura figurativa que se concentra en jugar con lo representado, dando lugar a un juego de fricciones que siembran la incertidumbre y la duda. Su obra forma parte de museos y colecciones públicas como el CAAC Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), la Colección Los Bragales (Santander), Kunstmuseum (Berna, Suiza), The Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE. UU), MNCARS Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (Madrid) o Museum of Contemporary Art (Chicago, EE. UU).


En Idiots el artista parte de un distante escepticismo para convertir el lienzo en una conclusión imprevisible y caótica, creando perspectivas contradictorias que rompen el orden narrativo de los elementos figurativos. Unos elementos representados con trazos esquemáticos y picassianos que miran a otra obra, al igual que el espectador hace sobre ésta. De esta manera, el sentido último de la obra radica en los espectadores quienes a su vez tienen la posibilidad de colorear a su gusto la escena enmarcada en blanco y negro a través de la sucesión cromática ofrecida. 

 

Carlos Franco (Madrid, 1951) Pintor adscrito a la nueva figuración madrileña. Su obra se caracteriza por la recurrencia a los temas que implican al inconsciente individual y al estudio de los símbolos del inconsciente colectivos como el clasicismo, los motivos mitológicos y la transculturalidad, creando piezas bajo la tradición figurativa y siempre supeditada al color. Su obra forma parte de museos y colecciones públicas como Artium Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Vitoria), Colección Los Bragales (Santander), Colección de Arte Contemporáneo “La Caixa” (Barcelona) o MNCARS Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid).

 

En pandora y el oro Franco hace visible su atracción hacia los motivos simbólicos del inconsciente, experimentando con la yuxtaposición de imágenes y la voluptuosidad del color. Como consecuencia de esta prueba resultan los nuevos soportes y técnicas pictóricas, en este caso la impresión digital serigráfica sobre metacrilato.

 

Juan Navarro Baldeweg (Santander, 1939) arquitecto, pintor y escultor. Su lenguaje pictórico, caracterizado por su gran monumentalidad, siempre alternado entre la abstracción y figuración bebe de cierto clasicismo y de la geometría. El artista cántabro, siguiendo la tradición de los arquitectos que abordan nuevos retos en la bidimensionalidad muestra un espíritu pictórico totalmente independiente de su faceta arquitectónica. Su obra forma parte de museos y colecciones públicas como la Colección BBVA (Bilbao), la Colección Los Bragales (Santander), Fundación Juan March (Madrid), Fundación Maxam (Madrid), IVAM Instituto Valenciano de Arte Moderno (Valencia), MNCARS Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) o Patio Herreriano Museo Español de Arte Contemporáneo (Valladolid).

 

Copa azul y ventana II pertenece a una serie de pinturas originada a partir de copas inglesas del siglo XVIII y que muestra escenas pastoriles, en este caso una representación clásica de lo bucólico. El autor trata de transmitir la energía propia de la abstracción pero sometiéndola a la representación formal de los factores figurativos y al festín multicolor de la paleta, con colores densos y vibrantes.

 

Bernardí Roig (Palma de Mallorca, 1965) es uno de los escultores españoles más relevantes de la actual escena internacional. Su obra es una reflexión obsesiva sobre el aislamiento y el deseo a través de un condensado lenguaje de herencia minimalista y conceptual donde la representación de la figura humana alberga el foco trágico. Unas figuras aisladas y afligidas por un mal invisible que construyen y blindan la soledad del espectador. Su obra se encuentra en museos y colecciones públicas y privadas como el Museo Reina Sofía (Madrid), el IVAM (Valencia), la Fundación AENA (Madrid), la Fundació La Caixa (Barcelona), Museo Jacobo Borges y el Museo Sofia Imber (Caracas), la Fundación Ludwig (La Habana), la Fundació Pilar i Joan Miró (Mallorca), el Saikade Museum of Art (Japón), la Gille Collection (Bélgica) o The Phillips Collection (Washington D.C.), entre otras.

 

Redhead  y Whitehead reflejan la “insolación contemporánea”. Las expresiones del rostro –como la cárcel del cuerpo y la ceguera de la mirada, emblema de las facultades cognitivas  se convierten en metáforas de la pérdida de la estabilidad en el principio humano que pretenden exorcizar  el fantasma de nuestro destino trágico. Cuerpos desorientados, cegados, mutilados trastornados por un inmencionable demonio que permanecen frente al espectador como la más precisa expresión de la identidad degenerada.

 

Glen Rubsamen (Los Ángeles, EE. UU, 1959) es un artista visual y escritor que trabaja principalmente con pintura y fotografía. Su obra se basa en la documentación y recopilación de determinados momentos de la naturaleza cargados de gran potencia y dramatismo, congelando en instantáneas de lo perecedero aquellos lugares vacíos de memoria. Ésta forma parte de museos y colecciones públicas como la British Airways Collection (Londres, Reino Unido), Colección Peter Stuyvesant (Amsterdam, Países Bajos) o National Taiwan Museum (Taipéi, China).

 

A sliding palpitating labyrinth that led to a bright center of absolute conviction muestra en apariencia una pintura paisajista y tradicional pero que al mismo tiempo resulta ser la fuente de alteración de Rubsamen. Sus vistas escénicas y artísticas invariables juegan contra un impresionante fondo celeste-violeta que contrasta nítida y espectacularmente con las figuras negras en forma de silueta dispuestas en primer plano. Se trata de objetos que no pueden moverse, no sólo porque están pintados, sino también porque generalmente son cosas que están enraizadas en el lugar, como en este caso árboles y farolas. A pesar de su inmovilidad, son protagonistas de la narración, como las imágenes fijas de películas exudando un aire de calma y drama.

 

Álvaro Soler-Arpa (Girona, 1974) tras una trayectoria profesional en el ámbito de la publicidad y el cine decide dedicarse a las artes plásticas, específicamente a la escultura. En su obra, Soler-Arpa combina sus conocimientos de anatomía y dibujo con su interés por formas orgánicas. Además,  sus piezas características por su dinamismo pretenden aludir al mito prehistórico relacionándolo con el arte actual a partir de la recuperación de materiales y de lo que Bourriaud hubiera llamado el “bricolaje de lo cultural”, planteando algunas cuestiones ambientales que conciernen a la sociedad del siglo XXI. Actualmente posee el título de embajador de la ONG internacional Plastic Pollution Coallition (Berkeley, EE. UU).

 

Naturaleza corrompida recuerda a las de los cabinets de curiosités en los que se coleccionaba de manera peculiar infinidad de objetos únicos. Esculturas inmersas en la monstruosidad y el misterio dan fe de un descomunal interés por la anatomía y la mitología a la vez que componen un bestiario de híbridos imposibles tan fantástico como surrealista. A través de esta experimentación con materiales -desde la pieza del animal hasta clavos e hilos- refleja lo efímero de la vida y defiende la idea de que el diseño, aliado del consumo, es un arma de destrucción masiva de la naturaleza.